作品其實是藝術家等待觀看者開啟對話的起手式

本文全部都是我自己的詮釋，藝術家可能不是這麼想的

之前我看藝術作品的說明時，最討厭的一種論述是「每個人對這個作品有不同的詮釋，所以作品不需要說明更多」。我認為這是一種不負責任的說法，作品如果不明白表達創作的意涵，那觀看者如何理解後與之對話呢？

於是我寫了「現代藝術需要被講解和理解 只靠「感受」意義不大」，認為現代藝術其實不適合用感受的，反而需要被講解才會認識這個作品。透過「感受」而理解的藝術品，其實講不出什麼東西的。但最近自己改變了想法，認為觀看者必須自己啟動詮釋，這樣關於創作的對話才會開始：

創作者害怕講出真正的創作意圖，當被觀看者評論的時候，如果評論的聲音不好聽的話，皮質醇會不停增加，那是非常痛苦的。只有如杜象和村上隆這些可能杏仁核作用小的藝術家，直接用作品和群眾做挑戰，畫下了藝術史上的新的印記。

所以創作者才會用非文字的方式進行表達，因為對世界的理解有超乎一般人的感受所以想要表現出來，但又想要好好地保護自己，就以創作作為媒介成為藝術品，而這就是藝術家想要對有交集者對話的起手式。

▲杜象的「噴泉」一擺出來，觀看者就有好多話可以跟創作者說了，例如：「這也算是藝術？」

觀看者對創作者最大的擁抱就是盡情的詮釋

藝術作品被展示出來，人們觀看離開觀看離開，直到有一個人說「我覺得這個畫如何如何…」，透過非同步時間的方式和藝術家的心靈展開了對話，也因為觀看者的詮釋可能和創作者的想法完全不停或有些交集，不論是哪個部分都逐漸地完成這塊藝術創作的拼圖。就如同比特幣和經濟大崩盤一樣，一個事件要不停地被敘事才會愈來愈大，最終成為人類社會的共識。

有一個有想法的人，小心翼翼地把自己對世界的詮釋用文字以外的方式呈現在你眼前，這就是一種最真摯的伸手，想要跟你握手和互動。這時候你願意拋開「看不懂」的感覺，多詮釋一些，創作者就會在下一個作品有更多的養分。

自己的練習 毫無準備地看常玉

因為這樣的想法，我拋棄了先前做功課的態度，以毫無了解的態度參觀國立歷史博物館的常玉展。來試試看與常玉的作品對話：

上面這幅畫可以看到上下有一個明顯的線條分區分，上下比例大約是10:1，通常會有頭重腳輕感受，但常玉的畫卻沒有這種失衡的感覺，是怎麼做到的呢？

再來，這幅畫一切都很平面，但花盆是立體的，這根本是作者的貼心，再告訴我他想用平面表達，而且一幅畫中有平面和立體，就有了兩個視角。有兩個視角的作品，就是畫作本身比照相更不同的地方，因為攝像快門是只能有一個角度的。有多個視角的作品，就發展成立體派了。

▲上面這幅畫更清楚地表現出三種視角，桌子是立體的，花和花瓶是平面的，貓要去抓花瓶的樣子是平面的，但姿態是立體的。

▲竹子這幅畫依然有區分上下版面的線條，但從直線轉變為自然線條，畫家想要跟我們聊的是竹子是動態的而不是靜態的。

所以視角就是常玉的畫想要跟你談的主題，人從不同的視角來看，就會看到不同的世界，這點在常玉最有名的「宇宙大腿」中可以一窺：

▲你有從這個視角來看一個裸女的樣子嗎？為什麼腿的比例遠大於乳房和和人臉呢？我想常玉想告訴我們，這個女性的腿實在太美了，所以在腦中腿迷人程度就會不停放大，乳房的美和容貌的美就縮小了。

▲原來還是角度的問題，如果從側面來看，三種女子形態之美就均衡了。

這個角度從近視轉為俯視了，另外常玉的黃色用得真好，讓我看到怎麼表達優雅的美，而這個優雅之美當代的董小蕙還未能超越，但就可以以此為基準，等待畫家們的進步。

顯二應用的長效價值：看作品就是帶走一個問題

看藝術作品的時候，其實最大的收穫就是帶走一個問題，為什麼畫家要這麼畫？他想告訴我們什麼？為什麼要用這個顏色來畫？當時間的畫家有人這樣畫嗎？畫家畫這幅畫的之前的畫是怎麼樣、有延續性嗎？

帶走一個問題後，尋找這個問題的答案才是理解這個創作的開始，我可以從書、網路的資料搜尋、特別從藝術史的脈絡去尋找。如果是當代畫家可以去參加畫展的開幕茶會直接詢問畫家，如果沒能參加也能透過IG私訊畫家，現代畫家其實都很樂意跟你討論，原因在主文已經說了。

這時候找到的答案就是自己的，再看下一個繪畫的時候，這個答案就是你的知識基礎，就能在新作品中找到新的問題，週而往復隨著時間前進、看待藝術的界線就會愈來愈廣喔！

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